Seguint els passos de pioners de l'art cinètic com Wen-Ying Tsai, que va morir el gener de 2013, artistes de la Gran Xina, entre els quals Taiwan i Hong Kong, estan experimentant cada cop més amb nous mitjans de comunicació. Molta de la jove generació treballa amb programari i robòtica per crear instal·lacions cinètiques interactives i immersives que van des de les funcions fins a les participatives, i són exemples sorprenentment meravellosos de la creixent escena de l’art robotista.
Dimensió +
Dimension + és un nou equip creatiu d’arts de mitjans de comunicació fundat per dos artistes de Taiwan i Hong Kong, Escher Tsai i Keith Lam. El col·lectiu se centra en la fusió d’art i tecnologia. Els seus projectes se centren a incorporar nous mitjans de comunicació a l’espai i a les noves arts de mitjans a la indústria, creant un disseny interactiu interdisciplinari i millorant l’experiència del públic amb la interacció. Basat en l’era digital, Dimension + té com a objectiu unir la dicotomia entre digital i físic, transferint allò invisible i digital a un element visible i tangible, cosa que s’aconsegueix combinant mitjans analògics i digitals.
Dimension + ha guanyat nombrosos premis internacionals i ha exposat en festivals, exposicions i esdeveniments internacionals, inclosos a Itàlia, Àustria, Japó, Pequín, Xangai, Guangzhou, Hong Kong i Taiwan.
Signal Morphor: L'Orquestra és una instal·lació interactiva i performativa que transforma la comunicació en partitura musical i dóna 'vida' a senyals immaterials (o intangibles). El públic és l'intèrpret i la comunicació es tradueix en audiovisuals. Un grup de ballarins amb paraigües actua com una espècie d’antenes humanes, traduint o descodificant els senyals de comunicació reaccionant a la informació que reben i realitzant la seva resposta a aquesta.
La sèrie de treball titulada Vertebra recentment presentada al Festival de les Arts Digitals de Taipei 2013 i a The Innovationists, demostra una exposició d’arts cinètiques i robòtiques al K11 Mall de Hong Kong i al Museu d’Art Contemporani de Taipei. Els treballs utilitzen el paper com a material principal i són reproduccions de columnes vertebrals que tenen l’estructura i la solidesa dels animals, així com la suavitat i suavitat de les plantes, creant un prototip híbrid de la criatura ‘perfecta’.
Eric Siu
Eric Siu és un nou mediàtic artista de Hong Kong que treballa amb artefactes, art interactiu, cinètica, instal·lació, vídeo i animació. Actualment treballa com a director creatiu a Great Works Tokyo, una agència de publicitat i és membre del consell de videotagisme de Hong Kong des del 2008. El 2005, va obtenir el títol de llicenciat en mitjans de comunicació creatius de la Universitat de Hong Kong i va passar a. completar un projecte de recerca i intercanvi cultural de 12 mesos als Estats Units. Els seus treballs de vídeo i multimèdia s’han exposat arreu del món, incloses en institucions i esdeveniments seminals d’art mediàtic nous com ZKM Karlsruhe, MOCA Taipei, Transmediale, SIGGRAPH Àsia, ISEA, Microones, entre d’altres.
La seva obra més popular, Touchy, va obtenir un gran èxit de crítica i primer premi a la WRO 2013, a la 15a Biennale Internacional de Mitjans de Comunicació, Breslau, Polònia i va ser presentada al Discovery Channel i altres publicacions de mitjans internacionals. Touchy és una 'càmera humana' - una persona que porta una càmera- que fa una fotografia quan es toca més de 10 segons. El dispositiu de casc portable té les funcions d'una càmera que consta d'un parell de persianes automatitzades, una càmera de funcionament i una pantalla interactiva. Touchy és cegat sovint darrere de les persianes i l'obra d'art és en realitat una transformació d'un ésser humà en una càmera. L’artista anomena aquesta obra un “experiment d’interacció social fenomenològica que se centra en la relació de donar i rebre transformant literalment un ésser humà en una càmera”. Per a l’artista, aquest treball pretén curar les ansietats socials de l’era digital mitjançant la creació d’interaccions lúdiques. En l'era tecnològica actual, hi ha hagut una deshumanització del contacte físic i la interacció social cada cop es produeix de manera virtual i digital. Touchy aborda aquests problemes permetent interaccions amb desconeguts, implicant el contacte físic i la combinació d’humans amb un dispositiu de tecnologia social: una càmera, que a la vegada és una eina per compartir records, moments, emocions, bellesa.
Xia Hang
Xia Hang (n. 1978, Shenyang, província de Liaoning, Xina) va començar a pintar quan tenia 10 anys i es va graduar amb un BFA de l'Acadèmia de Belles Arts Lu Xun i un MFA del departament d'escultura de l'Acadèmia Central de Belles Arts de Pequín (CAFA). Durant la seva etapa a CAFA, Xia va començar a realitzar escultures d’home en forma de coma en acer inoxidable polit, que van ser els precursors de les seves actuals escultures alienígenes mecàniques.
Xia Hang ha creat una sèrie d’escultures de tipus alienígena que, completades amb mecanismes, es mouen, s’estenen i canvien de forma amb la interacció del públic. L’artista va crear treballs interactius que es van mostrar per primera vegada a la seva exposició del 2008 a Pequín, titulada Please not touch (amb el “toc” creuat), desafiant aquella regla de museu i galeria que prohibeix tocar obres d’art. Xia Hang va sentir que aquest tipus de rètols separaven encara més l’espectador i l’obra d’art, així que va decidir fer obres d’art que els apropessin als dos, fent que les escultures es convertissin en joguines.
Xia Hang també va crear LM1 (Legacy Machine No. 1) en col·laboració amb MB&F. L’obra és un rellotge que conserva totes les característiques atractives de la LM1 original inspirada en rellotge de butxaca del segle XIX. La versió Xia Hang presenta una nova característica, en forma d’escultura en acer inoxidable en miniatura d’un home que indica la reserva d’energia del rellotge. 'Sr. Amunt ”, l’escultura asseguda recta quan el moviment s’enrotlla completament, es transforma lentament en“ Mr. A baix ', figura xafoguda, quan la potència disminueix.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) es va graduar amb una llicenciatura en belles arts per al disseny a la Batley School of Art and Design, al Dewsbury College, Regne Unit. Actualment, Wu té la seu a Chengdu i està coneixent l'art tradicional de tallar paper i treballar en un projecte cinètic. Creixent de jove introvertit, Wu tenia una passió per endur-se les coses i reconstruir-les des de zero. Descobrir un mal funcionament i trobar la solució va ser el que el va acostar a desenvolupar els seus propis treballs mecànics. Wu se centra a crear contraptions i instal·lacions cinètiques que requereixen la interacció del públic i estimular la seva curiositat.
El Musical Typewriter és un exemple de les seves instal·lacions interactives, convidant a joves i adults a jugar-hi. Normalment, l'ús d'una màquina d'escriure és una activitat d'escriptura senzilla que permet a l'usuari conèixer quin és el resultat de prémer les tecles. A la instal·lació de Wu, les claus es connecten a una sèrie de línies de pesca lligades a martells petits. Quan es premen les tecles, els martells toparan amb diversos objectes, com ara gerres buides de salsa de pasta, llaunes, ampolles i paper, produint diferents sons. Les connexions són desconegudes per a l’audiència, cosa que provoca una explosió sonora imprevisible. Actualment, Wu està intentant obtenir finançament o patrocinis d’Ikea, per millorar el projecte i millorar els seus antecedents.
Samson Young
Samson Young (n. 1979) és un compositor, artista sòlid i nou mediàtic de Hong Kong amb un currículum gairebé impressionant. Va obtenir el Llicenciat en Música, Filosofia i Estudis de Gènere per la Universitat de Sydney el 2002 i MPhil en Composició Musical per la Universitat de Hong Kong el 2007. Doctor en composició musical per la Universitat de Princeton (EUA) i és assistent. professor d’Art Intermedia Crític a l’Escola de Mitjans Creatius de la Universitat de Hong Kong. Entre els seus mentors destaquen Chan Hing-Yan i Paul Lansky. Young ha exposat i actuat internacionalment, incloent Sydney Springs International New Music Festival (Austràlia 2001), Canberra International Music Festival (Austràlia 2008), ISCM World Music Days (Austràlia 2010), MONA FOMA Festival of Music and Art (2011), Microones Festival Internacional de Noves Mitges Arts (HK 2004), entre molts d’altres. El 2007 va ser el primer artista de Hong Kong a guanyar el Bloomberg Emerging Artist Award amb el seu projecte audiovisual The Happiest Hour.
Malgrat aquesta crida d’èxit en extremis, Young també és reflexiu i reflexiu, trets que es mostren en les seves obres. Les seves Màquines per fer Res (2011-2014) són una col·lecció de petits objectes electrònics que, a banda de ser utilitzats per jugar, no tenen cap funció ni significat. La seva existència demostra com la interactivitat pot ser seductora o fins i tot addictiva i l'obra d'art explora "els plaers estètics de la interacció persona-màquina" en el seu nivell més bàsic. Beethoven Piano Sonata No. 1 - 14 (Senza Misura) consta de 47 circuits de taula oberts a l'estil obert, que funcionen com a metrònoms electrònics. Cadascun d’aquests petits dispositius fa pica i parpelleja marcant el ritme d’un dels moviments de la sonata.
Annie Wan
Annie Wan és una nova artista mediàtica de Hong Kong. Es va llicenciar amb una llicenciatura en mitjans de comunicació creatius per la Universitat de Hong Kong a la Universitat de Hong Kong el 2002 i una doctora en tecnologia de la informació aplicada (art i tecnologia) a la Chalmers University of Technology, Suècia, el 2005. El 2012, es va doctorar en arts digitals. i Mitjans Experimentals de la Universitat de Washington, EUA. Actualment és professora adjunta a l'Escola de Comunicació de l'Acadèmia de Cinema de la Hong Kong Baptist University. Wan ha exposat internacionalment a festivals, esdeveniments i exposicions, inclosa la Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Singapur), ZeroOne / ISEA 2006 (San Jose, Estats Units), el Pavelló francès de la 10a Biennale d'Arquitectura de Venècia. El 2009 va guanyar el premi Finalista als Àsia Digital Art Awards 2009, Fukuoka, Japó.
Els treballs d'Annie Wan se centren principalment en mitjans locatius, electrònica integrada i sistemes basats en xarxa. On és el pollastre? (2008-2009) és una obra d’art pública de robòtica locativa, recolzada pel Hong Kong Arts Development Council. L’obra funciona com una representació narrativa, que es construeix amb la interacció del robot, la seva ubicació culturalment específica i el públic participant. Amb la interacció del públic, la narració col·laborativa, el sistema d'autòmats i la tecnologia mòbil, l'obra és un autòmat mecànic de forma de vida que no simplement simula la realitat, sinó que permet al públic interactuar amb ella i alterar, transformar i retorçar la percepció d'aquesta realitat. Interactuant amb la instal·lació, el públic col·labora en el seu desenvolupament i en la continuació de la narració al voltant de la representació. El públic també ajuda a la confecció d’un “mapa de pollastre de la ciutat” compartint les seves experiències amb l’artista.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (b. 1966, Taipei) es troba actualment amb seu entre Taipei i Nova York. Ha exposat internacionalment, com el Museu Nacional de Belles Arts de Taiwan i el Museu d’Art Contemporani de Taipei, el Museu d’Art Chelsea de Nova York, el Centre d’Arts de Hong Kong i l’Institut d’Arts Contemporànies de Austràlia, entre d’altres.
Shyu és conegut per crear escultures mecàniques i cinètiques llançades el 1997, que utilitzen la forma mecànica com a llenguatge abstracte que transmet les seves idees i sentiments cap a la vida, els records i els problemes relacionats amb el medi ambient, la política i la societat. Les seves obres mecàniques complexes inclouen fins a milers de components dissenyats i realitzats pel propi artista, però conserven un aspecte senzill i donen una impressió de simplicitat.
One Kind of Behavior és la seva obra més recent, una instal·lació pública a l'aire lliure que ara es troba en exposició al Bronx Museum of Art de Nova York fins al 17 d'agost de 2014. La instal·lació inclou desenes de cubetes d'acer de la mateixa mida, disperses al terra de la terrassa i ondulades. al seu propi ritme individual. El treball s’inspira en el moviment quasi mecànic dels crancs ermitans, els moviments lents dels quals contrasten altament amb la velocitat amb la qual es mou la societat contemporània. El cranc ermità també utilitza closques descartades per altres espècies i Shyu ho veu com una metàfora de la nostra condició humana. L’artista ens demana que reflexionem sobre el nostre entorn i les conseqüències de les accions humanes sobre la natura.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) és un artista taiwanès que es dedica a l’art digital i la robòtica. És reconegut pel seu treball de disseny per a la indústria de la música pop a Taiwan. Ha exposat àmpliament a tot el món, inclòs a Hong Kong, Xina, Taiwan, Singapur, Japó i els EUA. Lee es dedica al treball interdisciplinari i ha estat creant robots per a una audiència diversa, incloent marques comercials, art visual, art escènic i art públic.
Una de les seves obres més conegudes en l'àmbit públic és BIGPOW, una instal·lació robòtica formada per un grup de tres robots, un gran i dos més petits. D’aspecte lúdic i simpàtic, els tres robots amaguen un component interactiu darrere dels seus dissenys aparentment estàtics. Els robots són equips d'alta gamma metamorfosats i el públic pot connectar els seus dispositius MP3 a ells i compartir la seva música públicament.
Expressant el seu amor per la música electrònica, Lee també ha creat dos robots de ball, Ding i Lulubo. Ding és una criatura semblant a pulp amb vuit potes i Lulubo és un robot femení amb una bella forma. Els dos robots han "actuat" a les sales de ball i el teatre, a l'Hip Hop i els ritmes electrònics, a més de "col·laborar" amb les tropes de ball.
Per CA Xuan Mai Ardia
