En cas que no us n’heu adonat, Los Angeles estan plens d’exposicions. LACMA acull 100.000 obres d’art, cimentant-lo com el museu més gran de l’oest dels Estats Units. El museu es va inaugurar el 1965 i se centra en la extensió de la història de l'art i del món. Per on començar? Tenim un perfil de deu obres imprescindibles a LACMA.
Plorant dona amb mocador (1937) de Pablo Picasso
Picasso la va pintar el 1937 a Espanya després d’acabar la famosa obra Guernica, que va ser en protesta a la Guerra Civil espanyola. Després d'això, Picasso va canviar el seu estil de pintar cap al surrealisme, però va continuar pintant sovint la dona plorant. La dona capturada no només representa la seva agitació personal, mentre que molts creuen que és un retrat de la seva amant i mestressa Dora Maar, sinó que també representa una víctima de la guerra: una dona i una mare queden en agonia per destrucció. La pintura és increïblement potent i provoca el pensament. El museu presenta una gran varietat d’obres de Picasso en exposicions de diverses èpoques diferents, de manera que podeu explorar la col·lecció d’aquest gran artista.
Foto de Daren DeFrank
Shiva com a Senyor de la Dansa (c. 950–1000) de Tamil Nadu
Shiva the Destroyer i Restorer és un dels tres déus hindús. Les altres inclouen Brahma el Creador i Vishnu el Preservador. Shiva és àmpliament popular i venerat a tot el sud de l'Índia. Shiva també és conegut com el déu patró del ioga i de la dansa còsmica que va crear l’univers en cicles rítmics continus. En aquesta representació, Shiva balla al voltant d'una flama que surt d'un pedestal de lotus pensat per molts com a símbol de la creació. L’escultura s’ha convertit en simbòlica de la civilització índia. L’obra capta la gràcia i la unitat divina de Shiva. L’escultura es pot trobar al quart pis de l’edifici Ahmanson i, al veure-la a prop, és fàcil veure el poderós significat que aquesta escultura ha tingut en la cultura índia, així com per què se celebra la peça arreu del món.
Foto de Daren DeFrank
Lluitadors (1899) de Thomas Eakins
Aquesta pintura és fàcil de trobar a la galeria perquè simplement demana la vostra atenció. De sobte està tan captivat per la crua imatge que costa mirar-la. Eakins es considera un dels grans pintors nord-americans realistes del segle XIX, i és fàcil veure per què. El quadre sembla que s'està fent davant seu amb dos lluitadors entrellaçats enmig d'un partit. L'objectiu de moltes de les seves obres era capturar l '"heroisme de la vida moderna" i sovint passaria hores creant aquests moments. Sovint hi tindria dos atletes que lluitaven per buscar-los, i aleshores es trobava la posició que li semblava més interessant estilísticament. Aquesta pintura també és la seva última obra sobre el tema de la forma humana i es va acabar cap al final de la seva carrera. Es creu que sigui representatiu de les seves pròpies frustracions amb la vida. La pintura és certament impressionant. Qui sabia que la lluita amb els dimonis podria ser tan bella?
Foto de Daren DeFrank
Tres quintains (1964) d’Alexander Calder
Aquesta escultura és única no només pels elements de disseny de l'obra Tres quintains d'Alexander Calder, sinó també perquè la peça va ser creada per al museu. Abans que el museu s’obri, es va constituir un comitè per adquirir una escultura de font per a la ubicació. El museu va oferir la comissió a Calder, que va acordar el juny de 1964. Laurelle Burton, que aleshores era la presidenta del Consell del Museu d’Art, va dir: “Tenir un home amb protagonisme d’Alexander Calder sigui el primer a dissenyar una escultura específicament. pel nou museu establiria els estàndards per als futurs esforços, per part dels artistes i els donants. " La font està formada per formes geomètriques simples, característica de l'estil de Calder, surant a l'aire i propulsada per dolls d'aigua. La peça és una de les poques escultures de fonts que Calder ha creat mai. L’obra està en exposició permanent al jardí de la taula rodona del director.
Dia de les flors (Dĩa de Flores) (1925) de Diego Rivera
Diego Rivera, sens dubte, no necessita cap introducció. Les seves pintures, en diversos suports, incloent aquarel·la i oli, són de renom mundial. Aquesta pintura és una obra obligada! El punt clau de la pintura és el venedor de lliris. Les flors es veuen des de dalt, que és una perspectiva única. També és interessant la composició de la peça perquè les figures tenen un estil semblant a un bloc, que és una tècnica que Rivera va perfeccionar a partir de la seva pintura cubista anteriorment en la seva carrera. Després de guanyar el primer lloc a la Primera Exposició Panamericana de Pintures a l'oli del 1925, va ser obtingut per la institució matriu de LACMA el Museu d'Història, Ciència i Art de Los Angeles.
Dia de les flors de Diego Rivera © Joaquin Martinez / Flickr
Teula amb desplaçament floral arabesc (segle XV), gran Iran
Aquesta peça de ceràmica, que forma part de l'exposició de LACMA, Art Islàmic Ara - Part 2, data del segle XV. El conjunt de l'exposició se centra en la combinació entre art passat i present en diversos suports i temes. Aquesta rajola pertany a la regla de Tímur a Iran i Àsia Central. Els Timurids patrocinaven edificis sovint adornats amb rajoles decoratives com aquesta. Les peces de la rajola es van tallar a partir de diferents conjunts de rajoles, amb una varietat de colors diferents, per crear un mosaic que unís a altres per crear un disseny complex a la part exterior de les estructures. El que més crida l’atenció d’aquesta peça és que malgrat l’edat i el desgast de la rajola, els colors de l’època encara es mantenen vius.
-
- Rajola © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n’est pas une pipe) (1929) de René Magritte
Aquesta pintura no només es considera una de les obres mestres surrealistes de René Magritte, sinó que també està molt reconeguda com a icona de l'art modern. El surrealisme era un estil d’art que força les seves influències de la psicologia freudiana. Simbolitzava una reacció contra el “racionalisme”, que molts van contribuir a la Primera Guerra Mundial. Les seves pintures en imatge-paraula són els seus exemples de la impossibilitat de combinar paraules amb imatges i objectes. Magritte havia treballat en publicitat, a més d’ésser artista, i la pintura al principi sembla simplista, gairebé venent la pipa representada a la peça. Tanmateix, per sota de les paraules es llegeix "això no és una pipa", que al principi és confús. L’element complex és que una pintura d’una canonada no és en realitat una canonada en sí, sinó només una representació d’una canonada. El seu ús del text en les seves pintures continuaria influint en una generació d'artistes orientats al concepte, com ara: Jasper Johns, Roy Lichtenstein i Andy Warhol.
Foto de Daren DeFrank
Bodegó amb cireres i préssecs (1885-1887) de Paul Cézanne
Paul Cézanne és conegut com un dels pintors llegendistes impressionistes del segle XIX. Les seves pintures inclouen una varietat de temes, des de paisatges fins a retrats i natures mortes. Les seves pintures icòniques de diferents escenaris de taula es reconeixen immediatament dins i fora del món de l'art. Cézanne va utilitzar colors vius i traços de pinzell per captar la intensitat de les imatges, com s’exemplifica en aquest quadre. Els punts de vista del quadre són variats. Les cireres es veuen des d’un punt focal superior, mentre que els préssecs, malgrat la seva proximitat, semblen més aviat cap a un angle lateral. El vidre i la xapa acompanyen la configuració de la taula i són realistes, però alhora més abstractes, típic del postimpressionisme. Aquesta peça és un exemple clàssic de l'estil captivador de Cézanne i una pintura obligada per si mateixa.
Foto de Daren DeFrank
Espatlla freda (1963) de Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein és un grup d’artistes que utilitzaven imatges comercials en la seva obra i la transformen. Aquests estils es van fer coneguts com Pop Art i van entrar en voga als anys seixanta. L'ús de línies i colors negres crea imatges de tipus còmic. El dibuix precís també es fixa sobre el llenç, mancat de l'ús de la dimensió. A més, la juxtaposició del text de la peça que diu "Hola" amb la dona endarrerida crea una dinàmica interessant. Utilitzant l'estil conegut com a punts d'impressió Ben-Day, que és un procés mecanitzat utilitzat en la producció de còmics, Lichtenstein crea la pell de la dona amb una interpretació artesana de la tècnica.
