Mentre que l'Oest ha començat a reconèixer l'habilitat artística que prové d'Àfrica, molts estereotips creats en colònies continuen marcant l'Àfrica com a ahistòrica i exòtica, que és especialment perjudicial per a la dona africana. Avui, moltes dones artistes africanes que han viscut i treballat a la diàspora desafien aquestes percepcions fictícies i opressives dels seus diversos països africans i del seu cos a través del seu art. Aquí hi ha cinc dones artistes de la diàspora que, sens dubte, hauríeu de conèixer més.
Wangechi Mutu - Histologia de les diferents classes dels tumors uterins (2004) © Reproducció Futur / Flickrcommons
Wangechi Mutu
Wangechi Mutu va néixer a Nairobi, Kenya, i va passar la seva carrera universitària a Gal·les a Cooper Union, abans d’immigrar als Estats Units, on va obtenir el MFA de Yale. Avui viu i treballa a Nova York. Des de jove, Mutu es va exposar a com el món occidental simplificà a Kenya per ser una part sense nom de l'Àfrica més gran, formada per safari i "tribus" tradicionals. Ella aborda aquesta i altres qüestions post-colonials en la seva obra, sent més coneguts els seus fotomuntatges. Combinen tinta, acrílic i, de vegades, purpurina i perles amb imatges retallades de revistes de viatges, pornografia, revistes d'automòbils i anuncis per formar noves figures humanes. Les imatges finals, com les de Misguided Little Unforgivable Hierarchies (2005) i The Bride Who Married the Camel (2009), són brillants i intenses, boniques, però també infernoses. Les imatges originals presenten contextos individuals i evoquen diferents connotacions. Tot i això, quan s'hi uneix Mutu, vénen a representar el llegat colonial de com l'Occident percep el continent africà com a "primitiu", així com la seva objectivació hipersexual del cos femení africà. La bellesa i la raresa atrauen l’espectador, mentre que els detalls -les dones compostes de caps d’animals, esquemes de cèrvix, motocicletes i els torsos exposats d’un model de playboy- desafien i pertorben la imaginació occidental que exotitza i objectivitza la cultura i el cos africans.
Pintura de mitjans mixtes - Ghada Amer © See-ming Lee / Flickrcommons
Ghada Amer
Ghada Amer va néixer al Caire i va obtenir el MFA en Pintura de Villa Arson EPIAR el 1989. Tot i que Amer es descriu principalment com a pintora, la seva obra abasta i combina diversos mitjans. Sobretot, utilitza brodats i jardineria, treball que es caracteritza normalment com a domèstic i femení i que sovint es considera afició en lloc d’art. A l’hora de fusionar el mitjà d’acceptació de belles arts amb aquestes “activitats femenines” juntament amb les seves representacions sovint eròtiques del cos femení, Amer desafia les nocions del femení vers el masculí, del desig i l’amor. Posa en dubte les expectatives de la societat pura i soltera que xoca amb l'objectificació i la sexualització del cos femení. En obres com And the Beast (2004) i Knotty but Nice, qüestiona la relació de la moral i la condemna del cos de la dona. A And the Beast (2004) Amer representa la figura abnegada de Bell i d’altres princeses de Disney que es masturbaven, utilitzant acrílic i brodat sobre tela, cosa que demana l’alliberament de figures antigament retretes pel seu comportament moral que s’acobla al seu amor per una home: absent de desig sexual. Les fa més humanes, donant a les nenes models de rol més saludables.
Instal·lació d’Ato Malinda © Iopensa / Wikicommons
Ato Malinda
Malinda és una artista de performance que va créixer als Països Baixos, Estats Units i Kenya. Tot i que es va allunyar de la seva nació, moltes de les seves actuacions funcionen en un context africà de Kenya o més ampli. Moltes de les seves peces contemplen la política post-colonial dins del país, com Mshoga Mpya (The New Gay in Kiswahili) (2014), que reacciona a la il·legalització de l'homosexualitat a Kenya. A la representació, Malinda es troba dins d’un cubicle negre al qual només un espectador pot entrar alhora, on relata les històries recollides de la queer a Nairobi. La intimitat preserva la privadesa de les veus anònimes alhora que permet la discussió de qui és silenciat amb força. Molta altra obra se centra en la tranquil·litat africana, com ara la seva actuació, Mourning a Living Man (2013), que és específica per a la seva llar infantil disfuncional, però també parla de temes més grans de performativitat de gènere i abús sexual mitjançant l'ús del color, l'idioma i les activitats domèstiques que són perverses. En ambdues peces destaca les veus locals del feminisme i la comunitat LGBTQ, donant una plataforma a aquestes històries que són eclipsades pel feminisme blanc d'Occident. La manera en què el públic sovint es veu obligat a interactuar amb l'artista i l'espai de la representació connecta físicament l'audiència amb les experiències humanes que es representen.
Sokari Douglas Camp © El Coleccionista d’Instants / Flickrcommons
Sokari Douglas Camp
Sokari Douglas Camp és un prolífic escultor nigerià de Buguma que va estudiar al Col·legi d'Arts i Oficis de Califòrnia a Oakland, a l'Escola Central d'Art i Disseny i al Royal College of Art de Londres, on resideix actualment. Les seves escultures sovint representen a Kalabari (la ciutat de la qual prové Douglas Camp) mascarades, esperits o sacerdotesses. Fabricada en acer i altres materials trobats com llaunes, corda i plomes, es connecta a si mateixa i representa les seves arrels en aquestes figures. Exposant-se a un públic internacional, les escultures de Douglas Camp treballen per recontexualitzar el paper sagrat de les màscares implicades en la mascarada, que sovint es mostren aïllades als museus. Les seves obres també parlen específicament a Nigèria i Kalabari. Com a dona, no se li permet fer mai la mascarada, ja que és estrictament el paper de l’home a la societat. Mitjançant la creació d’aquestes formes d’actuació, Douglas Camp es dedica a la desfilada en un nivell que se li nega a ella i a altres dones. A més, la soldadura sol ser una posició artesana masculina. Aleshores, en un doble sentit, ha desafiat contínuament els límits de gènere que li han estat imposats per la tradició. A una escala nacional més gran, Douglas Camp va abordar l'assassinat de Ken Saro-Wiwa per part del govern nigerià. Activista no violenta contra la Royal Dutch Shell Company i la manca de normatives mediambientals del govern, Douglas Camp va veure la seva mort com una disbauxa nacional, i va optar per representar-la en la seva obra Alagba in Limbo (1998), que representa la mascara de Alagba. portats vergonyosament per dos homes els rostres dels quals manifesten agonia.
Fotografia d'Aïda Muluneh © Magnus Manske / Wikicommons
