El subcontinent indi ha produït nombrosos artistes de renom internacional, molts dels quals aconsegueixen milions a subhastes a tot el món. Alguns dels artistes més reeixits i innovadors de l’Índia són dones, i les seves pràctiques variades exploren una àmplia gamma de temes, des de la identitat i la memòria fins a la política, la història i la cultura contemporània. Us portem deu de les artistes índies contemporànies més famoses.
Shilpa Gupta
Examinant diversos temes, des de la cultura del consumidor fins al desig, la seguretat, la religió, el nacionalisme i els drets humans, les pràctiques interdisciplinàries de Shilpa Gupta utilitzen vídeo interactiu, fotografia, instal·lació i art de performance, sovint confiant en la participació del públic. Funcionant com un videojoc interactiu, la seva sèrie de projeccions de vídeo titulades Shadow (1, 2 i 3) incorporen les ombres simulades dels espectadors, capturades per una càmera en directe. Les ombres es projecten a la pantalla blanca i interactuen amb altres ombres creades per objectes, nines, cases, ocells i altres figures ballant, saltant i caminant. Gupta és una de les joves generacions d'artistes indis que els seus treballs responen a les divisions socials postcolonials del país. Sovint es difuma, dibuixa i esborra les fronteres geològiques, com ara a 100 mapes dibuixats a mà de l’Índia (2007-2008), que consta de mapes dibuixats a mà pels espectadors de la memòria o la seva obra sense títol que representa una policia groga. llegint bandera de cinta, "Aquí no hi ha frontera".
Bharti Kher
El bindi enganxós a punt (una decoració tradicional de la front de l'Índia) és central de la pràctica de Bharti Kher i convida a significats ambivalents, oscil·lant entre tradició i modernitat. Kher prospera en crear art que representa la interpretació errònia, les idees errònies, el conflicte, la multiplicitat i la contradicció, explorant el drama humà i la vida contemporània. El bindi apareix a les seves pintures així com a les instal·lacions escultòriques, desafiant el paper de la dona en un país tradicional i fent referència al seu significat espiritual tradicional del "tercer ull". El seu palmarès The Skin Speaks a Language Own (2006) representa un elefant de fibra de vidre mort o moribund cobert de brillants bindis. El seu treball es dedica més a contes al·legòrics, criatures fantàstiques, bèsties màgiques i monstres místics, com es pot veure en altres peces basades en animals com les faltes. An Absence of a Assignable Cause (2007) és una rèplica a mida vital del cor d’una balena blava, basada en la imaginació de l’artista, emfatitza la idea romàntica d’un “gran cor” i els misteris que uneixen el cor als conceptes d’amor., Vida i mort.
Bharti Kher: absència de causa assignable © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Amb el paper com a mitjà principal i un mínim vocabulari ric en associacions, Zarina Hashmi crea treballs abstractes que ressonen amb les seves experiències de vida d’exili i despossessió i el concepte de llar, ja sigui personal, geogràfic, nacional, espiritual o familiar. La seva obra contundent i poètica inclou retalles, gravats, dibuixos i repartiments fets amb pasta de paper. Les seves línies artesanals i cal·ligràfiques constitueixen un element unificador en les seves composicions. El llenguatge és clau per a l'artista. Letters from Home (2004) mostra una sèrie d’impressions basades en cartes de la seva germana Rani, que viu a Pakistan. En una entrevista en vídeo de Tate, Zarina explica com rebre aquestes cartes l'ha ajudat a preservar un sentiment d'identitat. L’urdu escrit escrit a mà està sobreposat a mapes i dibuixos de cases i llocs llunyans, que presenta les ombres de moments importants i impressions de llocs rellevants per a la vida de la seva família.
Nalini Malani
El concepte del límit transcendit es troba al centre de la pràctica de Nalini Malani, que parteix de la literatura, la mitologia, la història i la vida personal per crear art amb rellevància entre les cultures. Des dels dibuixos fins a les pintures, l’animació projectada, el joc d’ombres, el vídeo i el cinema, l’artista juxtaposa la tradició amb elements modernistes per tractar temes pressents de la societat contemporània. La seva família es va veure afectada per la partició de 1947, un tema que li és benvolgut a Malani, tal com es va veure a Recording Toba Tek Singh (1998), un vídeo inspirat en el relat breu del mateix títol de Sadat Hasan Manto. Malani utilitza el simbolisme de la mort de Bishen Singh, un pacient mental que, negant-se a traslladar-se a l'Índia durant la Partició, mor a la terra de ningú entre les dues fronteres. Aleshores, Malani està explorant els efectes de la partició en la vida de les persones i amplia aquesta exploració a l'efecte de les proves nuclears a Pokhran, Rajasthan. L’interès de Malani per Cassandra rau en la seva creença que cadascun de nosaltres té intuïcions i instints. La seva exposició del 2014 titulada Regal de Cassandra a la Galeria d’Art Vadehra es va centrar en la possibilitat que la humanitat prevegi els esdeveniments del futur i realment ‘escolta’ el que passa al seu voltant.
Rina Banerjee
L’amor per la substància, el teixit i la textura, juntament amb l’experiència de viure en comunitats d’ubicacions culturals i racials mixtes constitueixen la base de les poètiques obres multimèdia de Rina Banerjee. Ella defineix la seva obra com una exploració de "moments colonials específics que reinventen el lloc i la identitat com a experiències diaspòriques complexes entrellaçades i de vegades surrealistes". Banerjee crea colorits muntatges de tèxtils, articles de moda, objectes colonials, mobiliari, taxidermia i materials orgànics, proveïts de botigues brossa de Nova York i reconfigurats en objectes amb un significat nou. Entre els materials inusuals s’inclouen caimacs amb lliscaments, bressols de fusta, ossos de peix, ous d’estruç, plomes i mobles antics. Si bé la hibridesa de les seves obres és un reflex del seu origen cosmopolita, el llenguatge visual que crea està arrelat a la mitologia i als contes de fades. Porta’m, porta’m… al Palau de l’Amor (2003) és una instal·lació que es va mostrar al Musée Guimet de París el 2011. Articulant un discurs sobre els seus orígens i la visió occidental-orientalista d’Orient, comprenia un pavelló de plàstic rosa fet en forma de el Taj Mahal per evocar una visió de l'Índia a través de gots de color rosa, característics de la presència colonial britànica a l'Índia - amb un muntatge central de materials 'exòtics'.
Dayanita Singh
Dayanita Singh, creant curioses narracions de la vida quotidiana a través del mitjà fotogràfic, dóna expressió visual a un paisatge que juxtaposa la imaginació de l’artista amb el món real. Les seves fotografies en blanc i negre es presenten en una instal·lació titulada Museum, així com en el seu mitjà favorit: el llibre. El paper té un significat especial per a Singh. L’artista retrata a tothom, des de la classe alta fins als marges de la societat, donant una visió àmplia de l’Índia contemporània. Mona Ahmed és una figura recurrent en la seva obra; des del seu primer encontre el 1989 en una comissió per al London Times, un eunuco que viu a un cementiri a Old Delhi, un doble rebutjat rebutjat per la seva família i per la comunitat d'eunuch. El retrat de Mona de Singh és una exploració de les identitats fragmentades i la manca de sentit de pertinença, que és el tema del llibre Myself Mona Ahmed. La casa de l'amor de Singh desdibuixa la línia entre el llibre de fotografia i la ficció literària, amb imatges acompanyades de poesia i prosa que narren nou històries. Els "museus" portàtils, com el File Museum (2013) o el Museum of Chance (2014), són grans estructures de fusta que es poden disposar en diferents configuracions, contenint entre 70 i 140 fotografies. Aquesta "fotoarquitectura", com l'anomena Singh, li permet mostrar, editar i arxivar imatges sense fi.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat sovint incorpora més d'un mitjà a una sola obra d'art. L’obra de Kallat es basa en els cicles interminables de la natura i la fragilitat de la condició humana, que reflecteixen els canvis constants entre el naixement, la mort i el renaixement; construir i ensorrar, derrotar i ressorgir. Freqüentment treballa amb noms registrats o registrats oficialment: persones, objectes o monuments que s'han perdut o han desaparegut sense deixar rastre. Un motiu recurrent en la seva pràctica és el segell de goma, símbol de control i de l’aparell burocràtic, un “estat sense rostre” que enfosqueix i confirma les identitats. Kallat utilitza segells de cautxú des del 2003, invertint els seus treballs amb ironia. A Falling Fables, va utilitzar segells amb les adreces de monuments desapareguts protegits en el marc de l’enquesta arqueològica de l’Índia, creant formes de ruïnes arquitectòniques, posant l’atenció sobre l’estat d’esfondrament i fractura de la memòria col·lectiva que hi ha a l’Índia i a tot el món actual. El 2013 va crear Untitled (cobweb / Crossings), una telaraina a la façana del Bhau Daji Lad Museum de Bombai. La seva creació va incloure una tona de segells de goma que portaven els antics noms de carrers que envoltaven el museu i posaven en relleu les històries perdudes. Kallat ha utilitzat anteriorment el motiu de la web per relacionar-se amb problemes de migració i aquells que el controlen. A "Untitled (Map / Drawing)", un mapa complex del món fet amb cables i accessoris elèctrics rastreja els camins migratoris sovint ocults dels treballadors.
[K] Reena Saini Kallat - Untitled (2008) - Detall © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
A través de la instal·lació fotogràfica i escultòrica, Hema Upadhyay treballa amb nocions d’identitat personal, pertinença, luxació, nostàlgia i gènere, reflexionant sobre l’estat contemporani de Bombai - una metròpoli amb la seva multiculturalitat fruit dels moviments migratoris. Una obra autobiogràfica de forma recurrent inclou imatges d’ella mateixa, com si estigués buscant el seu propi lloc dins de la ciutat, al qual es va veure obligada a emigrar amb la seva família durant la partició. En la seva primera exposició en solitari, Sweet Sweat Memories (2001), va presentar obres que van parlar de sentiments d’alienació i pèrdua. La sèrie va incloure fotografies en miniatura d’ella mateixa enganxada a pintures que representaven perspectives aèries i subalternes de Bombai com una ciutat aclaparadora.
Sheela Gowda
Incorporació d’escultura, art d’instal·lació i fotografia que mostra l’Índia urbana i rural, Sheela Gowda crea treballs utilitzant materials quotidians, incloent objectes i materials trobats i reciclats com fang de vaca, kumkum vermell (cúrcuma), encens, cabell humà, fulla d’or, tints cerimonials. i materials domèstics com ara fibres de coco, agulles, fils i cordó. La pràctica de Gowda es basa molt en el seu procés, que desdibuixa els límits entre art i artesania, i qüestiona el paper de la subjectivitat femenina en el context de la religió, el nacionalisme i la violència que constitueix l’Índia contemporània. I Tell Him of My Pain (2001) va emprar més de 100 metres de fil enrotllat tenyit de kumkum vermell, suspesa i retallada per l’espai per formar un dibuix tridimensional. L’obra es va referir a la cultura d’espècies de l’Índia i a la indústria tèxtil (tradicionalment parts de l’experiència viscuda d’una dona) per posar en relleu el dolor de la vida domèstica femenina en una societat patriarcal.
